In diesen fünf verrückten Jahren staubt er den Staub der letzten Jahren von seinen  Leinwände und Kohlezeichnungen ab

In seinem 49. Lebensjahr, an einem Tag im August, hört SCOBs Herz für mehr als dreißig Minuten auf zu schlagen. Der Unfall, der tödlich hätte enden sollen, erweist sich als lebenswichtig. Während meines Herzinfarkts sah ich lebhaft Farben, ich fühlte grenzenlose Inspiration, eine kreative Kraft. „Ich bin aus einem bestimmten Grund wieder ins Leben zurückgekehrt: Malen.“

SCOBs Stil:

„Ich bevorzuge eine  klare Linie, die auf den ersten Blick auffällt. Kohle ermöglicht diese Radikalität, diese Wirksamkeit, diese Effizienz. Das Auge könnte zunächst geschockt sein. Aber als nächstes wird es hoffentlich in die Zeichnung eindringen, anders sehen, verschiedene Ebenen und Schichten, eine gewisse Feinheit wahrnehmen.

Ich möchte, dass meine Kunst von den ersten Tönen an so einschlägt, wie mich Hardrock berührt. Es ist eine Musik, die nicht einhüllt, die im Gegenteil verroht. Diese Form der Musik ist nicht erfreulich, sie brutalisiert.

Mein Ziel ist es, als Maler das zu erreichen, was Johann Zarca mit seiner Auseinandersetzung in der Literatur und verstörender Stil erreicht hat.ʺ

In seinem neuen Konzept, das am 30. März 2023 in einer unruhigen Nacht seinen Ursprung hatte, reduziert Andreas Ender seine Kunst auf das Wesentliche – die Signatur. Denn was bezahlen die meisten Sammler teurer Werke? Die Unterschrift der namhaften Künstler. Bestes Beispiel ist aus der Doku „Banksy does New York!“ wo seine Tagesinstallation seiner Bilder auf einem Strassen Kunstmarkt je 60USD kosteten und abends als bekannt wurde, dass dies Werke von ihm waren, je der sieben verkauften Bilder, 250.000USD wert waren.

Andreas Ender signiert in diesem neuen Konzept Dinge, die er mal geschenkt bekommen hat, rum liegen, ausrangiert sind und für ihn keinen materiellen Wert mehr haben. Wie bei #selfieT69 kostet nur die Signatur im Moment noch 69,00€ und somit auch die wertlosen Alltagsgegenstände aus dieser Serie „die Signatur“ die er zu einem Träger seiner Unterschrift und dadurch zu einem Kunstwerk macht.

Dieses Konzept scheiterte in der Umsetzung an dem finanziellen Aufwand und dem technischen Verstand. Geplant war hier einen Untergrund zu schaffen in dem man Eisenstangen montieren konnte, um die leeren Corona Flaschen als Welle zu installieren. Die Wogen haben sich mittlerweile geglättet doch gibt es noch immer die Spaltung und die zwei Richtungen in die sich die Menschen bewegen.

Diese Installation kombiniert Andreas Ender mit seinem Konzept „die Signatur“ – hier liegen 101 leere und 10 volle Corona Flaschen, die im Moment nichts anderes sind, als leere oder volle Corona Flaschen. Alltagsgegenstände die bereits in mehreren Konzepten, mit der Nummerierung und seiner nachträglich aufgebrachtenen Signatur, erneut zu Kunstwerken werden.

Eine signierte und auf 111 Stück limitierte, nummerierte Corona Flasche aus diesem Konzept kostet 69,00€. [Nr. 001/111 bis 111/111]

Nutzt die Gelegenheit und bringt zur Vernissage euren eigenen Spiegel und 69,00 Euro mit!

Die signierten Spiegel kosten zwischen 144,00€ und 405,00€. Unikat Edition of 1. Ihr wollt einen eigenen Spiegel singnieren lassen der dann auch in diesem Konzept aufgenommen wird? Diese Signatur kostet euch 69,00€ - im Radius von 20km wird keine Anfahrtspauschale berechnet falls euer Spiegel fix installiert ist und ihr mit dem ausgesuchten Spiegel nicht ins Atelier oder in die Galerie kommen könnt.

Diese Welt liegt jenseits unserer physischen Wahrnehmung. Mit der Sichtbarmachung dieser uns unbekannten Raumformen führt uns die Künstlerin nicht bloss an einen Un-Ort oder ein Nirgendwo, sie verursacht damit Unruhe, Melancholie und Verlorenheit.

Gestärkt werden dieses Wahrnehmungsgefuehle durch den scheinbar nicht vorhandenen Faktor Zeit.

Fast so als würde die Zeit still stehen, als wäre jegliches aeussere Leben vergangen. Die Gesichter schauen abgewandt und doch eindringlich in einen weiten Raum, der aus arrangierten Farbflächen besteht.

Die Kunst von Patricia Frida nennt man Mixed Media:

Collagen, Photoshop, verschiedene Papierarten, eingearbeitete Blätter, die sie aus Indien von Bod Gaya, des Baumes Buddha’s der Erleuchtung als Geschenk entgegen nahm. Alte Postkarten, heruntergerissene Plakate, ausgeschnittene Landkarten, alte Bücher, Goldblättchen aus Thailand. Endlose, verlorene und gefundene Geschichten.

Ihre Reisen werden verewigt, Wörter, die man nicht mehr lesen kann, da sie überarbeitet wurden, sie werden als Messanger hinausgetragen.

Die Künstlerin ist überzeugt, dass ihre Werke ihren Platz, wenn der Zeitpunkt gekommen ist, finden oder auch gefunden und ausgesucht werden.

Es gibt keine Zufälle.

ABRAKADABRA

kommt aus der aramäischen Sprache

was Wort wörtlich bedeutet

“I will create as I speak”

Ich präsentiere Ihnen zwei unterschiedliche Arbeiten.

Die erste Arbeit, die ich Ihnen zeige, ist Calle, geboren aus Schwarz und Weiß und hat als Protagonisten die weiche weiße Calla-Blume im Kontrast zum Drama des Schwarzen, das ich zu einer starken Intensität bringen wollte, als reines Weiß der anderen Gruppe von schwarzen Tulpen, die sich „überbeugen“, spielt mit dem weißen Hintergrund, um ein wenig Ruhe zu suchen.

Silent Flowers ist die zweite Arbeit, die ich Ihnen vorstelle: Es sind stille Bilder, die uns aber weiterbringen. Die bewegungslosen Blumen im Eis nehmen uns gefangen und zeigen ihre prächtigen Farben, ihre geschwungenen Formen, ihre Struktur wird durch die Transparenz der Blütenblätter verstärkt, während das Eis, in das sie eingetaucht sind, uns einen Moment der Dynamik verleiht. Schönheit auf der einen Seite, Ewigkeit auf der anderen: in Stille getaucht.

Stille sollte mehr gehört werden!

Ein Teil seiner Arbeiten werden auch im ARTspace Impulszentrum Bregenzerwald bis 19. August 2023 gezeigt. Weitere Informationen findet ihr bei diesem Link oder schreibt die Galerie an.

Schon zu dieser Zeit war sein Interesse für Graffiti und Streetart sehr groß. Vom anfänglichen Ansehen, Studieren und Analysieren war der Weg zum eigenen Schaffen geebnet. Es wurden eigene Styles zu Papier gebracht und ziemlich bald auch mit der Sprühdose auf allen nur möglichen Flächen -auch ganzen Wänden - verwirklicht. Ganz schön teuer so eine Wand.

Über ein Jahrzehnt lang befasste sich Sebastian Hofer nur mehr mit dem Beobachten. Wie entstehen Licht und Schatten, wie setzt der Künstler die Highlights, was macht ein Bild lebendig, was gibt ihm Tiefe, was macht das Kunstwerk interessant?

Während einer sehr herausfordernden Lebensphase fand er wieder die Muse sich selbst künstlerisch zu betätigen. Er experimentierte anfänglich mit Pastellkreiden was ihn nicht so befriedigte, da es kaum möglich war, detaillierte Bilder zu erschaffen.

Im Jahr 2018 besuchte er seinen ersten und bis dato einzigen Malkurs bei einem Vorarlberger Künstler. Hier kam er das erste Mal mit dem Medium Acryl in Berührung. Was ihn allerdings nicht so begeisterte.
Dem Lockdown sei Dank, fand er im Frühjahr 2020 erneut Zeit sich der Malerei hinzugeben. Der nächste Versuch galt den Polychromos Farbstiften. Mit ihnen war es ihm möglich mehr Details herauszuarbeiten und naturgetreue Werke zu malen.

Nach einem Kurzausflug in die Aquarellmalerei, welche ihn nicht zu faszinieren vermochte, tauchte er in die Welt der Ölmalerei ein. Anfänglich faszinierte ihn vor allem die Möglichkeit, Farben zu mischen, fließende Übergänge zu schaffen und durch die lange Trocknungsphase die Bilder immer wieder zu überarbeiten. Die Möglichkeit, mit der Malerei, Erlebnisse, persönliche Themen und Emotionen zu verarbeiten und auszudrücken, rückte immer mehr in den Fokus.

Kreativität spielte in Tatjanas Leben stets eine zentrale Rolle, wobei sie sich in verschiedenen Phasen unterschiedlichsten Ausdrucksformen widmete. Ihre Interessen erstrecken sich vom Zeichnen über Modedesign und Architektur bis hin zu Handwerk, Fotografie und ihrer aktuellen Leidenschaft für die abstrakte Malerei. Im Jahr 2021 begann sie mit der abstrakten Malerei. Als Autodidaktin ist sie kontinuierlich auf der Suche nach neuen künstlerischen Wegen, wobei ihr Stil sich stetig weiterentwickelt, doch Acryl weiterhin ihr favorisiertes Medium bleibt.

Tatjanas Kunst findet ihre Inspiration in relevanten Themen wie psychologischen Aspekten des menschlichen Daseins, der Ermächtigung von Frauen und der LGBTQIA-Community, dem Streben nach Gleichberechtigung und dem Abbau toxischer Denk- und Verhaltensmuster in der Gesellschaft. Als Psychologin legt sie großen Wert auf Präventionsarbeit und psychosoziale Bildung bereits im Kindesalter.

2015-2019 hat Julija Saler mit ihrer Familie in Irland gelebt, hier hat sich ihre Handschrift und die Liebe zu Mixed Media herauskristallisiert. Die Weiten Irlands, das Gefühl von Heimat und die angenehme Energie des Landes, waren für die hochsensible Künstlerin sehr eindrücklich und inspirierend.

Lange Zeit konnte sie nicht in Worte fassen, gefühlt durfte sie das auch nicht, was tatsächlich IST und was um uns herum geschieht. Welche Energien und welche Frequenzen auf uns einwirken und vor was wir Menschen uns fürchten und was wir verbergen.

Die Künstlerin wurde des Öfteren damit konfrontiert NICHT in der Realität zu leben und hat genau diese Diskrepanz auf emotionaler Ebene, über die Jahre hinweg, auf Leinwand transportiert.

Was ist REAL? Was haben wir uns selbst erschaffen?
Mit Julijas Kunst fällt es dem Betrachter leichter, einen Blick davon zu bekommen, was sich außerhalb der von uns kreierten Matrix befindet.

Die Künstlerin möchte klar ausdrücken, dass wir hier nicht NUR kleine Menschen auf einer großen Erdenkugel sind. Unsere Seele reicht bis ins Universum und darüber hinaus.

Die Realität, die wir uns geschaffen haben, ist „beschränkt“. Der Verstand ist „beschränkt“.
Das, was euch Julija Saler mit ihrer Kunst übermitteln möchte, ist MEHR. Sie geht über Grenzen hinaus. Jedes Werk ist ein Unikat, das Botschaften mit sich bringt.

Kannst du sie wahrnehmen?
Wenn du genaueres über jedes einzelne Bild erfahren möchtest, auf der Webseite: www.julijasaler.com ist jedes Kunstwerk mit der einhergehenden Botschaft hinterlegt.

Mein Stil lässt sich als eine Kombination aus abstrakter Malerei und Realismus beschreiben, ich gestalte gerne Teile des Bildes realistisch und andere Teile abstrakt. Die Motive sind meist Frauen, oder ausdrucksstarke Tiere wie Pferde und Wildkatzen. Dabei arbeite ich bevorzugt mit Mixed Media (Acrylfarben, Markern, Ölkreiden, Ölfarben, Goldblatt, Kohle,…).

Viele meiner Malereien enthalten, wenn auch in sehr abstrahierter Form, das Element Wasser. Für mich hat Wasser eine sehr wichtige und vielfältige Bedeutung, ich fühle mich tief verbunden mit diesem Element. Wasser steht in seiner Symbolik für das Leben, es ist immer in Bewegung und steht gleichzeitig auch für Ruhe, Klarheit und Reinheit. Ich liebe es zu schwimmen, egal ob im Meer, einem See, oder auch in einem Pool, es ist wie das Eintauchen in eine andere Welt, gleichzeitig wird man dabei schwerelos.

Am Wasser zu sein berührt meine Seele, es macht mich ruhig und erdet mich. Außerdem entspricht es meinem persönlichen Gefühl von Ästhetik - die Farben aber auch die Transparenz und Klarheit. Daher lasse ich diese Symbolik gerne in meine Werke einfließen.

Der einzige Ort, an dem ich gegen meine Gedanken siegen kann.

Momentan befasse ich mich intensiv mit dem Abschluss meines Bachelors zum Thema Kriegsfotografie. Außerdem arbeite ich in der Galerie Victoria in der Innsbrucker Altstadt.

An eine Zeit ohne Kunst kann ich mich nicht erinnern, schon immer beschäftigte ich mich mit KünstlerInnen und deren Werken oder war selbst tätig. Durch eine kreative Mutter und einen handwerklich begabten Vater, behaupte ich, wurde mir die Kunst mit in die Wiege gelegt. Sollte ich gerade nicht mit Pinselstrichen und Farben meinen Gedanken freien Lauf lassen, findet man mich beim Musizieren, Lesen, in Museen oder im Wasser.

In meinen Werken behandle ich oft Thematiken, die mich im Moment beschäftigen oder auch bedrücken. Damit kann ich meinen unausgedrückten Emotionen einen Raum schaffen und Unverständlichen ein Aussehen verleihen. Wenn meine Kreativität auf eine Trockenzeit stößt, male ich einfach Dinge, die ich interessant finde, oder Bilder für meine Liebsten.

Die Leinwand als Grundmedium war für mich bisher ein unangefochtener Vorreiter, ebenso die Acrylfarbe begleitet mich schon sehr lange. Dies lässt mich dennoch nicht davon abbringen gerne neue Materialien, unkonventionelle Techniken und manchmal einfach den nächstgelegenen Gegenstand zum Auftragen der Farbe zu nutzen.

Und damit - der einzige Ort, an dem ich gegen meine Gedanken siegen kann, ist die Leinwand.

In meinen Werken befasse ich mich mit meinem Geisteszustand und versuche diesen (mal mehr, mal weniger) bewusst durch (Selbst-) Portraits und Monster darzustellen. Mein Handwerk umfasst traditionelle Medien, vor allem Acryl und Mixed-Media, sowie digitales Zeichnen, meist in Form von Linework in Kombination mit simplen Farbpaletten.

Es erstaunt mich immer wieder wie Chaos und Ordnung ihren Platz finden und gleichzeitig bin ich bei dieser Erkenntnis demütig gegenüber jedem Geschöpf und der Natur selbst.

In meinen Werken verwende traditionelle Materialien wie Acryl manchmal mit Spachtel, um Bewegung und Ausdruck einzufangen - ich lasse den Pinsel  und die Spachtel wie von selbst über die Leinwand streichen und lasse der Spontanität freien Lauf. Und so ist immer wieder bei meinen Werken Chaos und Ordnung zu erkennen.

Ich möchte mit meiner Kunst die Schöpfung feiern, deshalb gibt es in meinem Werk bisher keine traurigen oder deprimierenden Botschaften.

Auf den Bildern sind zwei Wasserstrahlen zu sehen, die sich ineinander winden und eine faszinierende Dynamik erzeugen.

Die sanften Bewegungen der Wasserstrahlen spiegeln die "Dualität" von Seele und Verstand wider.

Das Bild verdeutlicht die untrennbare Beziehung von Seele und Verstand, die oft als getrennte Entitäten betrachtet werden.

Es zeigt jedoch, dass sie in Wahrheit eine Einheit bilden und gemeinsam agieren. Die verschlungenen Wasserstrahlen drücken auf harmonische Weise die Balance und das Zusammenspiel von Verstand und Seele aus.

Die Darstellungen erinnern uns daran, dass eine ausgewogene Verbindung von Seele und Verstand erstrebenswert ist. Es ist eine lebenslange Herausforderung, diese Balance zu finden und zu pflegen.

Das Bild lädt uns ein, uns um unsere geistige Gesundheit und unser geistiges Gleichgewicht gleichermaßen zu kümmern, um ein erfülltes Leben zu führen.

Insgesamt ist "Dualität" eine eindrucksvolle Darstellung der untrennbaren Verbindung von Verstand und Seele.

Es erinnert uns daran, dass wir uns bewusst sein sollten, dass sie gemeinsam wirken und uns bemühen sollten, ihre Harmonie in unserem täglichen Leben zu bewahren.

Das Projekt "Dualität" regt dazu an, über die Komplexität der menschlichen Natur nachzudenken und die Balance zwischen unseren emotionalen und rationalen Aspekten zu finden. Es erinnert uns daran, dass sowohl das Fühlen als auch das Denken wichtig sind, um ein erfülltes Leben zu führen.

Es lädt uns ein, uns mit unserer eigenen Dualität auseinanderzusetzen und zu erkennen, dass sie uns in vielerlei Hinsicht formt und vervollständigt.

Inspiration zu diesem Thema waren Reptilien mitsamt deren Häutungsprozess und Schmetterlinge, welche die Metamorphose vom Kokon zum Schmetterling vollziehen. Das Schlüpfen aus dem Kokon ist der Durchbruch in eine neue Lebensphase. Auch der Mensch durchläuft sein Leben lang neue Lebensabschnitte. Diesen Transformationsprozess habe ich in meiner Arbeit durch die harte Struktur der Oberfläche, welche durch den/die TrägerIn aufgebrochen wird, symbolisiert.

Die Verwendung von nachhaltigen Materialien, wie Bioplastik und upgecycelte Materialien (das Grundmaterial besteht aus alten Vorhängen) ist mir ein großes Anliegen, um eine Ressourcenschonung zu bewirken.

Mein Konzept:
I N S P I R A T I O N
Das Schlüpfen aus dem Kokon ist der Durchbruch in eine neue Lebensphase. Faszinierend ist auch, dass Reptilien sich ständig erneuern, indem sie ihre Haut abstreifen. Auch der menschliche Körper erneuert sich ständig. Organe, Knochen, Haut - fast alle Körperzellen erneuern sich, wenn alte Zellen absterben. Unsere Leber zum Beispiel braucht zwei Jahre, um sich zu erneuern, unser Skelett 10 Jahre und die Haut erneuert sich sogar alle zwei bis fünf Wochen.

Nach dem Anthroposophen Rudolf Steiner erneuert sich der Mensch alle 7 Jahre, und in seiner Theorie sprach er von der Entwicklung der Persönlichkeit, des Charakters oder des Wesens des Menschen.

Mir gefällt Steiners Theorie, weil ich glaube, dass wir sehr wohl alte Überzeugungen über uns selbst oder die Welt ablegen können, dass wir unsere Persönlichkeit aufgrund der Erfahrungen, die wir im Laufe unseres Lebens machen, immer weiterentwickeln. Wenn wir unser Umfeld wechseln, raus aus dem Elternhaus, neuer Partner, neue Kollegen, dann ändern sich vielleicht auch unsere Werte, der Mensch ist also einem ständigen Wandel unterworfen, sei es physisch, psychisch oder geistig. Wir sind Gestaltwandler, wie der Schmetterling. Erleben wir auch eine Metamorphose, vielleicht nur nicht so schnell und sichtbar wie der Schmetterling?

Es freut mich sehr mit euch meine erste Ausstellung erleben zu dürfen.

Ihr könnt dieses Motiv direkt über FSP.clothing oder die Galerie bestellen. Das Team hat sich Ende 2020 eine kleine Siebdruckmaschine gekauft und hat die Möglichkeit Wunschmotive bis A3 individuell, ab einem Stück, zu drucken. Hohe, langlebige Qualität! Dieses Motiv von Florentina ist wie gesagt, limitiert auf 69 Drucke auf den bereitgestellten T-Shirts oder auch auf eure eigene Kleidungsstücke. Die Farbe ist nach Absprche vielleicht auch wählbar.