Die Galerie arbeitet provisionsfrei - die angegebenen Preise fließen zu 100% an die Kunstschaffenden!

Wir dürfen seit Jahresbeginn 2025 den Künstlerbedarf Gerstaecker aus Dornbirn als Sponsor für den young.ART Award im Team begrüssen. Sie fördern die junge Kunst mit einem 50,00€ Warengutschein und einem kleinen Präsent aus ihrem riesigen Sortiment. Vielen DANK!

Meine künstlerische Tätigkeit, in der ich mich mit Fragen von Identität, Politik und Erinnerung auseinandersetze, macht eine Rückkehr nach Belarus unmöglich. Identität ist für mich untrennbar verbunden mit Kontrolle, Gewalt und Verbot, mit Heimweh und Heimatverlust - Erfahrungen, die meine künstlerische Arbeit tief prägen.

In meinen Arbeiten verarbeite ich Gefühle rund um Identitätsverlust und die politischen Einflussnahmen darauf.

Ich übersetze Zeichnungen in textile Arbeiten. Textil ist für mich ein bedeutungstragendes Material. Es besitzt eine lange Geschichte als Träger von kultureller Identität, Erinnerung, Protest und kollektiven Erfahrungen. Textil (und insbesondere Tischdecken) sind Dinge aus dem Alltäglichen, welche in meinen Arbeiten einen Bruch mit der Belarussischen Identität erleben.

Besonders Stickereien sind tief in der belarussischen Kultur verankert.
Sie stehen in enger Verbindung zur Natur, die in traditionellen floralen Mustern etwa auf Tischdecken abstrakt dargestellt wird. Diese Motive spiegeln eine tiefe emotionale Verbundenheit mit der Umgebung und dem kulturellen Erbe wieder.

Meine Philosophie
Kunst bedeutet für mich Verbindung mit sich selbst, der Natur und dem Unsichtbaren zwischen den Dingen.

Jedes meiner Werke ist Ausdruck dieser inneren Reise: eine Einladung, tiefer zu schauen, zu fühlen und sich berühren zu lassen.

Ich lade Sie herzlich ein, meine spirituelle Kunst am Bodensee zu entdecken und sich von der Energie meiner Bilder verzaubern zu lassen.

In dieser Zeit traf er eine mutige Entscheidung: Seine Kunst in Richtung Malerei auf Leinwand weiterzuentwickeln. Er blieb seinem minimalistischen Ansatz treu und wählte eine begrenzte, aber kraftvolle Palette, die ausschließlich aus Schwarz und Weiß bestand. Der Übergang zur Leinwand markierte einen entscheidenden Moment auf seiner Reise: Seine Figuren, die einst auf Papier beschränkt waren, nahmen neue Dimensionen an. Dennoch blieb Yasser standhaft in seiner Absicht: Seine Werke sind weder Kulissen noch abstrakte Kompositionen, sondern einzig und allein Charaktere – eine Vielzahl von Wesen, die seiner Fantasie entsprungen sind, jedes mit seiner eigenen Identität.

JEDE LEINWAND VON YASSER BADOU IST EIN UNIVERSUM FÜR SICH. Er zeichnet nicht, um eine lineare Geschichte zu erzählen, sondern um eine pluralistische Menschheit einzufangen. SEINE CHARAKTERE, MANCH rätselhaft, manchmal vertraut, sind alle miteinander verbunden und bilden ein lebendiges Netzwerk aus Blicken, Haltungen und Präsenzen. Was auffällt, ist ihre Dichte: Kein einziger Platz auf der Leinwand bleibt leer, als ob seine überfließende Fantasie nicht eingedämmt werden könnte. Und doch sticht jeder Charakter trotz dieser Fülle heraus und vermittelt seine eigenen Emotionen oder Absichten.

FÜR YASSER IST SCHWARZ UND WEISS NICHT NUR EINE ÄSTHETISCHE WAHL, SONDERN EINE SPRACHE. Indem Yasser seine Kunst auf diese beiden Grundtöne reduziert, lädt er den Betrachter ein, sich auf das Wesentliche seiner Arbeit zu konzentrieren: die Linien, die Ausdrücke und die Interaktionen zwischen seinen Charakteren. DIESE BEWUSSTE EINFACHHEIT VERLEIHT SEINEM STIL EINE UNIVERSELLE STÄRKE, DIE IN DER FÄHIGKEIT IST, BEI EINEM VIELFÄLTIGEN PUBLIKUM quer durch alle Kulturen und Generationen Anklang zu finden.

Yasser hatte nie das Ziel, Trends zu folgen oder um jeden Preis zu gefallen. SEINE ARBEIT IST EINE AUFRICHTIGE, FAST INSTINKTIVE HANDLUNG. Wenn er malt, gelangt er in einen Zustand intensiver Konzentration, eine Art innerer Dialog, in dem er sich von seiner Fantasie leiten lässt. Jeder Pinselstrich und jede Linie scheint einem spontanen, aber dennoch kontrollierten Impuls zu entspringen, der seinen Leinwänden eine raue und fesselnde Energie verleiht.

YASSERS FRÜHE AUSSTELLUNGEN IN MAROKKO WAREN EINE OFFENBARUNG. Das Publikum war fasziniert und fasziniert von seinem einzigartigen Stil und empfing ihn herzlich. SEIN TALENT ÜBERSPRINGTE SCHNELL GRENZEN. Seine Werke wurden in internationalen Galerien ausgestellt und für ihre Originalität und Tiefe gelobt. Einer der bedeutendsten Momente seiner Karriere war seine Ausstellung im Louvre-Museum, ein krönender Erfolg, der die universelle Wirkung seiner Kunst bestätigt.

HEUTE IST YASSER BADOUD ALS EINER SCHLÜSSELKÜNSTLER SEINER GENERATION ANERKANNT. SEINE AUSSCHLIESSLICH VON CHARAKTERN BEVÖLKERTEN WERKE Fesseln, bewegen und regen zum Nachdenken an. SEIN KÜNSTLERISCHES UNIVERSUM, SOWOHL INTIMM ALS AUCH KOLLEKTIV, IST BLEIBEN EINE EINLADUNG, DEN REICHTUM UND DIE KOMPLEXITÄT DER MENSCHHEIT ZU ERKUNDEN. DURCH SEIN EINZIGARTIGES TALENT HAT ER SICH ALS EINZIGARTIGE STIMME IN DER ZEITGENÖSSISCHEN KUNST Etabliert, EIN SCHÖPFER WORTLOSER GESCHICHTEN UND GRENZENLOSER SEELE.

Mit großer Freude experimentiere ich mit unterschiedlichsten Techniken, Farbkombinationen und Materialien. Jedes neue Bild ist für mich eine spannende Reise - ein Zusammenspiel aus Erfahrung, Intuition und kreativer Freiheit.

Ich liebe es, mich ständig neuen Herausforderungen zu stellen und meine Ideen und Visionen auf Leinwand zum Leben zu erwecken. Die Kunst ist für mich nicht nur Ausdruck von Kreativität, sondern auch eine Quelle der Inspiration und persönlichen Weiterentwicklung.

„Ich male am eigenen Leben entlang das, was mich bewegt.“
Seit vielen Jahren widmet sich Rosemie Becker dem Thema „die Welt in Bewegung“. Im Zentrum steht das Individuum der Mensch inmitten seiner Beziehungen, Interaktionen und Spannungsfeldern.
Angesichts der aktuellen Weltlage und ihrer ungeheuren Verwerfungen physisch, emotional und zutiefst existenziell sind ihre neuen Werke entstanden. Gier und Größenwahn, Machtbesessenheit und Unmenschlichkeit, menschenverachtende Zerstörung sowie die Verzweiflung von Millionen prägen das Bild unserer Zeit.

Das Stadtbild der Gegenwart zerstörte Städte.
Unterschiedliche Bildkompositionen greifen diese Verwüstung auf, machen Brüche und Auflösungen sichtbar und übersetzen sie zugleich in emotionale Erfahrbarkeit. Dabei geht es nicht nur um das Sichtbarmachen dieser Vernichtung von urbanen Lebensräumen, sondern auch um das Offenhalten von Hoffnung als bewusst gesetzter formalästhetischer Gegenpol.

Künstlerische Ausbildung
1972 - 1978 Kunststudium im Rahmen des Diplompädagogik Studiums, Köln
1983 - 1988 Studium "Zeichnen und Malen", Neue Kunstschule Zürich
1991 - 2000 Künstlerische Studien bei:
Ulf Rungenhagen, Professor für Illustration, Kunstakademie Düsseldorf
Thomas Fuchs, Professor für Zeichnung/Illustration Hochschule Düsseldorf
Joe Allen, Master of Art London, Dozent u.a. Europäische Kunstakademie Trier
Christine Henn, Dozentin Europäische Kunstakademie Trier
Volker Altrichter, Dozent u.a. artefact Bonn und Europäische Kunstakademie Trier
Renate Wolff, Dozentin u.a. Europäische Kunstakademie Trier
Thomas Egelkamp, Dozent u.a. artefact Bonn und Europäische Kunstakademie Trier
Helmuth Ruwoldt, Freischaffender Künstler und Dozent Köln

auch findet ihr weitere Werke von Rosemie in unserem online ART.shop!

Meine künstlerische Laufbahn begann 2006 in Singapur. Dort studierte ich Innenarchitektur an der Nanyang Academy of Fine Arts. Mein Abschlussprojekt war ein hölzerner Schaukelstuhl. Es war das erste Mal, dass ich mit einem Material arbeitete, um ein dreidimensionales Objekt zu schaffen. Zu dieser Zeit begann ich auch, mich mit Ölmalerei und Zeichnen zu beschäftigen.

Die für mich sehr wichtigen Jahre von 2013 bis 2018 verbrachte ich an der Académie des Beaux Arts de Watermael Boitsfort in Brüssel. Durch mein Teilzeitstudium an der Akademie vertiefte ich meine praktischen Fähigkeiten im Zeichnen, in der Acrylmalerei und in der Farbtheorie. Ich schuf meine ersten Collagen, Mixed Media Arbeiten und Papierarbeiten. Außerdem belegte ich Kurse in Kunstgeschichte.

Zurück in Deutschland setzte ich mein Kunstgeschichtsstudium fort und besuchte Kunstkurse sowie mehrere Workshops an der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn. Gemeinsam mit Dozent Stewens Ragone konzentrierte ich mich auf Collagen und Papierarbeiten, und mit Dozentin Heather Sheenan schuf ich weiche Skulpturen. Gleichzeitig absolvierte ich mehrere Workshops und eine Meisterklasse bei Dozentin Sati Zech an der Akademie der Bildenden Künste Kolbermoor, wo ich mich intensiv mit der übergreifenden Thematik „Zeichnung, Objekt, Raum“ befasste. Seitdem haben Form, Struktur, Textur, Raum und Dreidimensionalität in meinen Gemälden und Collagen noch mehr an Bedeutung gewonnen.

Ausstellungstätigkeit:
Seit 2019 : Gruppenausstellungen in Bonn und Umland in Galerien und Kunstvereinen.
Im Jahr 2025 : Internationale Gruppenausstellungen mit der Monat Galerie in Madrid, Spanien, auf der Art Fair Innsbruck, Österreich, sowie auf der Art Expo New York, New York City, USA; im Museum für Moderne Kunst Barcelona (MEAM), Spanien (mit Artio Gallery, Toronto) und in Bologna, Italien.
Seit April 2026 Einzelausstellung in Bonn.

Ich bin Finalistin der 20. Edition des „Arte Laguna Prize“ 2025, Venedig, Italien. Mein Werk „Lollipop“ wird vom 06. bis 29. November 2026 auf der Internationalen Gruppenausstellung des „Arte Laguna Prize“ im Arsenale Nord, Venedig in Italien ausgestellt.

auch findet ihr weitere Werke von Bettina in unserem online ART.shop!

Im Zentrum der Ausstellung:

Die Monster-Serie Meine Monster sind keine Wesen der Finsternis, sondern Botschafter der guten Laune. Der Entstehungsprozess ist dabei so spielerisch wie die Figuren selbst: Alles beginnt mit den Augen. Sobald diese mich vom Papier aus anblicken, ergibt sich der Rest des Körpers fast wie von selbst – fröhlich, bunt und voller Charakter. In meinen Werken kann der Betrachter beobachten, wie aus fließenden Aquarellfarben und präzisen Linien charmante Wesen mit ganz eigenem Wesen erwachsen.

Zwischen Phantasie und Tradition:

Die Landschaften Neben den phantastischen Wesen widme ich mich der Landschaftsmalerei. Hier fließen die Einflüsse der großen impressionistischen Aquarell-Künstler und die Malweise meines Vaters zusammen. Ob aus der freien Phantasie geschöpft oder durch eigene Fotografien inspiriert – die Bilder suchen stets die flüchtige Lichtstimmung und die Weite des Augenblicks einzufangen.

Technik: Aquarell und diverse Fineliner | Format: A4 auf Papier 

Preis: 100,00€ je Blatt oder 120,00€ inklusive A3 Rahmen mit Passpartue 

Ihr habt ein Lieblingsmonster und möchtet ein KI generiertes Foto mit ihm - dann meldet euch direkt bei Walter und besprecht die Details! Die ersten Beispiele findet ihr auf seinem Profil auf Instagram

Seiher stellt er in den unterschiedlichen ARTspaces der gallery-T-69 aus. 
Farbenfroh, ausdrucksstark und abwechslungsreich - so beschreibt man seine Bilder am besten. Seine bevorzugte Technik ist die Acrylmalerei.

Marcell wird mittlerweile von 44 Galerien weltweit vertreten und stellt auch rund um den Globus aus!

die gallery-T-69 hat derzeit sieben seiner Werke im ART.shop online und die Originale sind in der Galerie in Hohenems, beim SAMINA ARTspace in Dornbirn, Bregenz und Frastanz verteilt. Folgt bitte diesem Link für weitere Werke im ART.shop!

persönliche Anfertigungen von Tierportraits sind auf Anfrage möglich! Bitte um Kontakt

weitere Werke sind im ARTspace bei Samina in Dornbirn, Bregenz und neu auch in Frastanz ausgestellt!

wir haben diesmal 20 Kunstschaffende und somit ist sogar meine „Kloecke“ die ich immer bespielt habe vergeben. Im ersten und zweiten Stock sind je ein Spiegel aus dem Konzept #selfieT69 installiert. Im zweiten Stock zeige ich drei Bilder aus dem Konzept Bodypainting Transfer Drucke und meine aktuellsten Aktzeichnungen der letzten vier Wochen als popUP zur Vernissage im Format A5, gerahmt in A4. Ja – nach mehr als 15 Jahren habe ich wieder meine Stifte in die Hand genommen und bin der Einladung von Manuel Lunardi gefolgt. Sechs Freitagabende hintereinander in der Halle 5 in Dornbirn an einem Aktworkshop teilzunehmen. Es ist wie Fahrradfahren – der Strich war sofort wieder da.

Durch die Laufzeit der Werkschau von 3 Monaten, werde ich hin und wieder Werke austauschen. Auch die Wasserspiegelungen aus der Fotoflüsterer Serie werden unter dem Konzept „die Signatur“ gezeigt. Einzelne Kalenderblätter im Format A3 – signiert für 69,00€. Vielleicht gibt es nach meinem Sardinien Urlaub ein Sommerfest im Juli – mal sehen!

Die hier genannten Konzepte haben eine Preisspanne zwischen 69,00€ und 1.584,00€ - bei Interesse einfach nachfragen oder schaut auf einer meiner vier Homepages vorbei! Ihr findet meine Konzepte diesmal hauptsächlich im lichtdurchfluteten, zweiten Stock!

Edition of 99 | Sonderformat: 50x70 cm | gedruckt auf Hahnemühle Büttenpapier William Turner 190g. Nummeriert, handsigniert, datiert.

Preis: je 144,00€ + Verpackung und Versand.

Edition of 3 | Format: 80x120cm | gedruckt auf Aludibond oder Leinwand

Preis: je 987,00€ inklusive Verpackung und Versand.

Weitere Motive und limitierte Auflagen / Formate findet ihr auf der Fotoflüsterer Homepage | LINK

auch findet ihr weitere Werke von Andreas in unserem online ART.shop!

weitere Werke sind im ARTspace bei Samina in Dornbirn, Bregenz und neu auch in Frastanz ausgestellt!

Der Erde entrissen, im Feuer geboren und durch Menschen in unzählige Formen gebracht

EISEN

Das ist das Material mit dem ich mich beschäftige.

noch kurz vor der Vernissage von SELECTed . 21 stellte auch Manuel Lunardi zwei seiner Werke zur Verfügung, die dann am 5. November 2025 von ihm und Andreas Ender mit einem Graffiti übersprüht wurden. Vorerst war LOVE 2.0 geplant, doch nach der zweiten Schicht Farbe, wurde aus dem O ein I und somit am Ende LIVE. Diese beiden grossformatigen Werke bestehend aus je zwei Bilder mit dem Titel "LI" und "VE" kosten je 2.584,00€

LI war bei SELECTed . 21 zusammen mit den sechs Unikaten aus der Serie LOVE in Hohenems in der Galerie im Erdgeschoss ausgestellt - bei SELECTed . 22 kam auch VE aus dem Atelier in Dornbirn dazu und das LIVE Gesamtwerk konnte im ersten Stock der Galiere besichtigt werden!

Jetzt sind die beiden Werke weiter gezogen - ins SAMINApark Aparthotel und Seminarhaus nach Frastanz in den ART.space 1st Floor der gallery-T-69! 

Diese Kombination aus fließender Leichtigkeit und erdverbundener Materialität bildet einen spannungsvollen Dialog innerhalb ihres Gesamtwerks.

Florale Motive – insbesondere Mohnblumen – ziehen sich wie ein roter Faden durch ihre Arbeiten und stehen sinnbildlich für Vergänglichkeit, Stärke und stille Transformation.

Neben Originalwerken präsentiert sie auch handgemalte Aquarell-Postkarten als „Kunst zum Mitnehmen“ – kleine, persönliche Kunststücke, die den Zugang zu Kunst bewusst niederschwellig und emotional gestalten.

Silvia Kanitschs Arbeiten laden dazu ein, innezuhalten – und sich selbst in Farbe, Form und Stille wiederzufinden.

Diesen fand ich auch seit 1995 in meiner Zweitheimat Kärnten, im Süden von Österreich allerdings mit einem noch intensiveren Licht.
Seit über 20 Jahren bin ich als deutsch-österreichische Malerin mit Schweizer Wurzeln als bildnerische Vollzeitkünstlerin selbständig und im DACH-Raum erfolgreich tätig.

Ich male das Licht und den Groove in Farben, Formen und Linien im Informell, leichtschwingend und farbstark. Musiker spüren Beats & Vibes, Bergliebhaber die Spuren im Schnee, Köche und Genussmenschen den grünen Mangold in der Suppe, Segler und Wassersportler das Blau des Sees und das Rauschen des Meeres … und manche Menschen spüren einfach nur meine Liebe, pur und echt beim Betrachten meiner Bilder.

„Kunst & Genuss“ ist seit 30 Jahren zum KULT geworden und eine Spezialität in meinen Ausstellungsaktivitäten verbunden mit Artist Dinner und Livepaintings mit Livemusik.
Transformelle und inspirierende Kunst „Mindset ART“ in markanter DKult SchriftART und Kalligraphie ist mit dem Werk „MUT“ auch Teil dieser Ausstellung. Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker tanzte auch 2026 wieder schwungvoll über meinen Pinsel auf die Leinwand.
Lebenslinien und pure Lust am Leben ergänzen die Präsentation meiner Werke, die zum Verkauf stehen.
Zahlreiche Einzelausstellungen und Beteiligungen an Ausstellungen seit 2004 in Europa. Meine Werke befinden sich weltweit in Privatsammlungen.

Seit über 20 Jahren SommerAtelier an der oberen Adria in Italien - in Grado - meiner weiteren liebgewonnenen Heimat. Ich liebe das Meer und integriere Lebensgefühle in meine Kunstwerke.
Als Netzwerkkünstlerin verbinde ich Kunst mit Menschen, wie z.B. die Initiative und Umsetzung der „ORF Lange Nacht der Museen“ mit Erweiterung nach Deutschland - in der Zeit, als ich mein Atelier und die KULT Galerie auf die Lindauer Insel im Bodensee hatte.

Meine Schaffens- und Ausstellungspunkte sind vom Bodensee über den Arlberg zum Wörthersee. Winterausstellung 2025/26 MOUNTAIN CIRCLE in den Circle Chalets in Zug/Lech in Vorarlberg. Sommerausstellung 2026 SEEFARBEN im Gourmet Bistro Seensucht am Südufer vom Wörthersee in Kärnten.

In meiner Bildsprache werden Seefarben und Bergliebe, pure Lebensfreude sowie die Verschmelzung von Himmel und Erde durch meine kraftvollen Farben sichtbar. Ich integriere die Jahreszeiten in meine künstlerischen Schaffensprozesse.
In meinem FreiLicht Atelier in einer Naturarena im Süden von Österreich, umgeben von zahlreichen Seen und mit Weitblick in die Bergwelt der Karawanken, male ich farbstarke und abstrakte Kunstwerke.

DKult ART DANJA KULTERER
Das KULT Atelier
Tel: +49 173 2944495

Die KULT Galerie
www.danjakulterer.com

Mein Urgrossvater Eugen Jordi war ein Schweizer Künstler. Er arbeitete unter anderem als Grafiker, Typograf, Holzschneider, Maler und Kunstpädagoge.

Dennoch bezeichnete ich mich während vieler Jahre als «nicht kreativ».

Es dauerte bis ins Jahr 2021 bis ich mir meine erste Kamera, eine Fujifilm X-T30 kaufte und mit der Streetfotografie begann. Heute verweben sich Natur als mein Kraftort, Stille, Fokussiertheit, Ästhetik, Spielerei und Fotografie in- und miteinander.

Von Beginn an widmete ich mich der Schwarz-Weiss-Fotografie als bewusste Form der Reduktion. Für mich war dies nie einfach ein Stilmittel. Es war und ist noch immer, meine bewusste Entscheidung. Das Zusammenspiel mit Form, Struktur, Kontrast, Stimmung, Licht und Schatten faszinieren mich. Vertrautes erscheint reduziert, klar und von stiller Intensität. Momente offenbaren sich, nur, um kurze Zeit später wieder von Dannen zu ziehen.

So versuche ich die Schönheit der Natur und die Achtsamkeit gegenüber der Vergänglichkeit, mit meiner Kamera und der nötigen Demut – sichtbar zu machen.

Gearbeitet wird mit dem Vorgefundenen. Vertraut auf die Kraft des Augenblicks. Entsprechend verändere oder zerstöre ich nichts für ein Bild.

Die digitale Nachbearbeitung bleibt minimal, denn ich will die Eigenständigkeit des Motivs respektieren.
Inzwischen hatte ich die Gelegenheit, meine Werke nicht nur in Einzelausstellungen, sondern auch in zahlreichen Gruppenausstellungen in der Schweiz und im Ausland zu präsentieren.

Herzlichst
Rahim Lascandri

Werkangaben
Unikate sowie limitierte Editionen
Fine-Art-Print auf Alu-Dibond (Schweiz)
Handgefertigte, lasierte und bemalte Rahmen, hergestellt in der Schweiz
Formate: 30 × 30cm bis über 100cm
Preisrange: CHF 450,00 – 2.800,00

auch findet ihr weitere Werke von Rahim in unserem online ART.shop!

Format und Preise sind bei den einzelnen Bildern hinterlegt - auch findet ihr weitere Werke von ihr in unserem online ART.shop!

In dieser Zeit habe ich auch angefangen, Gespräche mit Frauen zu führen. Ich habe gefragt, zugehört, ihre Geschichten aufgesogen. Und immer wieder tauchte dasselbe auf: Die Tage sind voll, man funktioniert, man ist für alle da. Aber man selbst kommt irgendwann nicht mehr darin vor. Diese Erschöpfung, dieses leise Vermissen von sich selbst – das kenne ich. Und genau dort male ich hinein.

Im Mittelpunkt meiner Bilder stehen Frauen mit geschlossenen oder verdeckten Augen. Nicht weil sie wegsehen, sondern weil sie nach innen schauen – zu der Stimme, die noch da ist, auch wenn der Alltag sie längst übertönt hat. Meine Kunst ist eine Einladung, kurz innezuhalten und sich selbst wieder zu begegnen.

Was bleibt, wenn du aufhörst, das zu sein, was andere von dir erwarten? Das ist meine Frage. Und die male ich. Für alle Frauen, die wissen, dass da noch mehr ist.

Yael Teitler arbeitet aus einem zutiefst intuitiven und unmittelbaren künstlerischen Impuls heraus. Ihre Werke entstehen im Spannungsfeld von Spontaneität und Kontrolle, wo Farbe, Material und Bewegung zu einer eigenständigen Bildsprache verschmelzen.

Getragen von einer ausgeprägten Sensibilität für Energie und Rhythmus, entwickelt sie vielschichtige Kompositionen, die zugleich roh und präzise wirken. Schichtungen, Kontraste und gestische Eingriffe erzeugen eine lebendige Dynamik, die den Betrachter unmittelbar erfasst.

Im Zentrum ihrer Praxis steht die Transformation von Emotion in visuelle Präsenz. Ihre Arbeiten sind nicht nur Bilder, sondern Erfahrungsräume – geprägt von Intensität, Leichtigkeit und einer bewusst eingesetzten Farbfreude, die eine unmittelbare, fast körperliche Resonanz hervorruft.

Teitlers Werk bewegt sich zwischen Expressivität und Klarheit und verfolgt dabei ein zentrales Anliegen: Kunst als direkte, unverstellte Verbindung zwischen innerer Wahrnehmung und äusserer Welt erfahrbar zu machen.

Sie absolvierte ihre künstlerische Ausbildung an der Kunstschule in Liechtenstein und gibt mittlerweile selbst Unterricht an einer Schule für Erwachsene in Liechtenstein im Bereich intuitives Malen.

Mit meiner Kunst möchte ich Freude und Lebendigkeit vermitteln und die Betrachter auf eine visuelle Reise einladen. Für mich persönlich bedeutet Kreativität Ruhe und Zufriedenheit. Malen ist ein Prozess des Loslassens und zugleich ein Raum, in dem ich mich selbst neu entdecke. Jede Leinwand ist ein Abenteuer, ein Spiel mit Möglichkeiten und die Chance, etwas von der Schönheit und Vielfalt des Lebens festzuhalten und weiterzugeben.

ausgestellt sind die beiden Werke im zweiten Stock der gallery-T-69

Titel: Stille am Hafen, 60x40cm auf Canvas / Leinwand - Preis: je Euro 380,00
Titel: Spass auf dem See, 40x40cm auf Canvas / Leinwand - Preis: Euro 380,00

hier noch ein weiterer Einblick in meine fotografische Vielfalt.

VIKTORIA ist nun für einen weiteren Zyklus in den young.ART ARTspace in die Kaiser-Franz-Josef Strasse 44 in Hohenems umgezogen. Auch online bekommt ihr weiterhin einen Einblick in die vergangenen young.ART Award Gewinner. Folgt einfach dem Link!